Art on Paper 2018

« So different »
« You have to stop and look »
« My name is honey »
« Is this children’s work ? »
« Interesting eye behind the choice of these very diverse drawings »
Quotes from visitors

Barbara Polla had the privilege to meet Bob FLANAGAN in the early nineties and to show his work and translate and publish in French some of his writings (Incertaine Identité, 1994, Geneva). Bob FLANAGAN had given her photographs and drawings: he was a multi-talented artist and his drawings are as refined and strong as his writing. No one better than Flanagan has been able to link pain with pleasure: “I had to fight sickness with sickness“. And in his iconic text Why? he suggests that the more he was in pain, the more his parents would express to him their love and care. The drawings could be entitled “Self-portrait of the artist with phallus” and their delicacy is reminiscent of IVORY HONEY.
 
As a today’s echo to Bob Flanagan, Analix Forever proposes another series of phalluses by French artist Jérémy CHABAUD. In Chabaud’s hands however, the phalluses are all joy, pleasure, bliss. The artist claims: “I know them all” and there are about 300 “portraits”, whether ink or aquarelle, of which Analix Forever presents a best of. The presence of the butterflies stems from a nap Chabaud took naked in the nature then being wake up by one of them, as well as being a reference to, among others, Hermione Wiltshire and her Still, Flying (“What she wants”, 1992) depicting the Flying Phallus held by two butterflies. 
©Jérémy Chabaud

Brûler, recommencer, pour jaillir.

« […] cette conception qui exige de tout nouveau poème qu’il soit une refonte totale des moyens de son auteur, qu’il coure son aventure propre hors des chemins déjà tracés, au mépris des gains réalisés antérieurement. » André Breton

C’est petit, mais c’est immense.
Ce n’est pas nouveau, mais ça change à chaque fois.
Jérémy Chabaud semble concentrer dans chacune de ses œuvres un geste qui incarne la signature d’une pensée illimitée et discontinue. Signature, dont le paradoxe saute aux yeux, tant l’ensemble paraît véritablement piquant — puisque qu’il ne vise rien de personnel, mais une sorte d’universalisme particulier, où, l’humour, souvent plus que noir, la mélancolie, mais aussi, le désespoir se révèlent ensemble dans leur trivialité, leur idiotie, leur violence. Point d’idées pour articuler tout ça, mais un vécu, qui coule et qui brûle. …

Jérémy Chabaud ne nous montre rien d’autre que sa propre incapacité à finir les choses, mais cette incapacité n’est jamais que la pompe à feu qui lui permet de continuer à vivre, sans espérer fixer quoique que ce soit, mais plutôt de toucher du doigt ce que constituerait l’essence d’une vie vécue, c’est-à-dire, rêvée d’un bout à l’autre, et belle « comme la rencontre fortuite, sur une table de dissection, d’une machine à coudre et d’un parapluie » (Comte de Lautréamont).

Loïc Blairon, 2012


 

For Julien SERVE, whose drawings are simultaneously shown at Art on Paper and published today inIVORY HONEY, the hand is an essential subject and object of his art, his primary model as well as his beloved tool. For Art on Paper, Serve offers these intimate drawings as well as his latest color aquarelles: hands and mushrooms, reminiscent of the morel harvests he used to go for as a child, together with his grand father. The sensuality of the aquarelles leaves any interpretation of their beauty to the viewer’s imagination.

“The hand and its unlimited possibilities is a condition of civilization. It’s also the first part of the body that touches the other; it is the primary intersection between society and intimacy. The hand thinks, builds, connects, feels, breathes,“, writes Julien Serve.

In IVORY HONEY, OH MY HANDS is dedicated to Julien Serve.

I don’t know what to do with my hands
Hold my baby hold my body
Touch your face or touch your cock
I don’t know what to do with my hands

Plunge my thumbs into your eyes
And caress your brain from inside

Cook witchy potions with the right one
Write bad stories with the left one

I don’t know what to do with my hands
Hide them in my bottomless pockets
Hide them in your pocketless bottom
Or walk on them, hand by hand

Cut them off and write with my eyes
Cut them off and worship my wrists
Then finally everybody could grasp
How handicapped I am


On march 8 Eva Magyarosi won the UniCredit Bank award, she opens her solo exhibition at Ferenczy Museum Center and is in New York City @Art on Paper!

Her animated film bear a strong resemblance to the sound and film montages of VJing, while her unconventional still images blend the characteristics of photography, freehand drawing and painting. In the drawing series and the video Invisible Drawings, subtitled for My Father, the artist represents her grief, extending it to the more general experiences of fear and vulnerability. She seeks to understand the workings of the memory that accompanies the passing of our loved ones, and attempts to arrest involuntarily retained mundane moments as much as carry out thought experiments to virtually resurrect the mourned person. Eva Magyarosi offers us the IVORY HONEY of memory and forgetting.


 

For mounir fatmi, drawing is essential ; and video is like another way of drawing. One of the remnant beauties of the work of mounir fatmi is always the emotion it generates. A motion in the true sense of the term: the setting in motion of the one who looks, a strong, profound, ineluctable and productive motion opening the doors of meaning.

mounir fatmi, le dessin fondateur

The series The Island of Roots is to be seen @art on paper in New York until march 11  ;  and a selection of 21 videos will be presented @ Musée de l’Elysée in Lausanne, Switzerland, on June 23rd.

“Confronted with this machine of history that constantly repeats itself, the roots tell us about freedom : their freedom to grow in a random, wild and free manner.” Says mounir fatmi. And recalls that at the beginning of last century, and for a long time, the United States of America were a land of welcome. Ellis Island was an obligatory passage, that mythical gateway where so many hopes of new lives were sealed. mounir fatmi then takes hold of this story and, according to a habit that is dear to him and which constantly enriches his work and the scope of it, refers to another artist that Ellis Island inspired, namely the famous documentary photographer Lewis Hine, who photographed at the beginning of the 20th century so many different immigrants, from the Italian family to the Armenian Jew, from the Finnish young man to the Syrian migrant – already – and so many others.

Starting from these portraits, mounir fatmi draws their roots. These roots, which are plucked out, and which return, become more complex; Vegetal roots, organic, horizontal, floating, dendritic (as our central nervous system’s cells), sometimes sanguineous, rhizomatous (a word used by the philosopher Gilles Deleuze); roots which go from one drawing to another, which embrace, like Philemon embraced Baucis. Roots of exchange and sharing; inclusion roots: the type of roots that one makes when walking.

For mounir fatmi the bonds have always been essential. All the bonds : between countries, languages, civilizations, people, men and women…

L’anneau, à la recherche du lien perdu 

Depuis qu’il a quitté sa famille et son pays d’origine, sa culture en somme, mounir fatmi cherche à créer des liens, liens interpersonnels, interculturels, interreligieux… L’anneau pourrait il symboliser, permettre ces liens ? Il est peut être à la fois la plus réelle et la plus illusoire des illusions de l’artiste, lui qui se plaît à créer des illusions pour les utiliser comme matière à penser, à rêver. L’anneau constitue une tentative de lien primordial, le maillon premier d’une chaine de liens, le cercle qui unit. L’anneau primordial ? Celui fait de pierres, autour du foyer.

En lire plus, ici


Grown up in the music and scents of Trinidad, the young Curtis Santiago was dancing his life. Canada then put him on stage, as he was only 14 years old. Long legs, fine waist, deep voice, Santiago soon became TALWST, and what they call success, he got it all with his music. But ten years later he quit. TALWST loves to sing and loves the people; Santiago loves authenticity and working alone. In that balance, the taste for solitude and inwardness took over: Santiago left the stage for a while to create new worlds. Worlds in tiny boxes (they call them Dioramas even when the boxes are from Gucci), boxes reminiscent of the shoe boxes he worked in at primary school, but much smaller than shoeboxes… Santiago’s new worlds represent the old ones with irony sometimes despair, always beauty. Santiago’s interest in storytelling, in particular narratives from African and Caribbean culture, comes alive in his practice, which aims to animate and reinsert these silenced histories into contemporary art.

In his last exhibition in Geneva though, entitled HISTORY BOX OFFICE, TALWST and Santiago got somehow re-united

Santiago has now also introduced drawing into his practice, and his drawings were first shown by Rachel Uffner in 2016-2017

Curtis Santiago. Sour tasting of the imminent History

Curtis Santiago is, what we can formally say, a “mixed media” artist. Painting, performance, music, sculpture- this Canadian native of Trinidad has many strings to his bow. Favouring a popular art approach, broken with the willingly direct expression of autodidacts, street art and Soul musicians (he was, in the 1990s, a member of the Canadian group of Edmonton The Hi-Phoniqs), he considers art, above all, as a form of writing the contemporary world: the continuation of life lived trough other means, its recording, its aesthetic quote.

Marked by recent history, filigree permeated by the transcultural spirit of Post Colonial Studies, the work of Curtis Santiago is neither unionist nor soothing. How having the illusions, as a member of the African-American community, if the daily life is to endure racism, police violence, humiliation, and an economic status that is frequently under-privileged? The artist includes a lot of symbolic and social wounds in his plastic and musical creations.

“Through my artistic work, I explore the narration of the art history by incorporating elements of different cultures in order to gain the attention of an enlarged audience, and to expand the rules.” says Curtis Santiago. The plasticity artist’s intention, always comprehensible, never elliptical, conforms to this purpose. His paintings evoke, in an elementary and realistic style sometimes with family or friendly figures, transformed into icons, those here, of a necessary solidarity, or even some, brutal rather than pacify, scenes of American life.

Better known than his paintings, his sculpture series Infinity, takes the form of a singular inventory. In small-recovered jewelry boxes, the artist realizes in miniature skits of the public or private life. The themes are varied: the police hitting a black man on the ground (Por Que, 2014), a demonstration of Chicanos (Frida Enters Iguala, 2015), the dramas linked to migrations of misery (Deluge series, 2015-2016) … About his dioramas, the artist says: “The work’s small scale allows me the opportunity for a very particular kind of meditation. The overarching theme to my sense of the vastness and the fragility of the world which I inhabit; and my fleeting memories of this world. Both are modeled after personal experiences.” His goal is to capture present moments that the passage of time would make disappear, in a memory perspective but also in a didactic way of giving to think. The Infinity boxes exceed the status of precious artifacts breaking with the real or fragile models dedicated to the only decorative exhibition. They contain History, not in a synthetic way but in a man perspective. The universal, sometimes, is in the details, more than in a global vision.

The dioramas presented in Geneva this winter continue to feed the fetish representations of Curtis Santiago. Far from the world, time is passing, it pacifies itself, it remains prodigal of tension situations and harmony ruptures. Sheltered from such a box, a man masturbates watching a woman dancing lasciviously in front of him, in a closed room; there, mounted on holds, immobilized without its wheels in a luxuriant landscape, an abandoned car is invaded by the wild vegetation; on the other hand, a cow-headed man is bending over a parked Porsche Boxter Convertible, driven by a horse; again: a visibly intrigued policeman is opening the trunk of an Audi break, a trunk in which he could make an unexpected discovery, macabre who knows? ; a Ferrari caught in the mud, muzzle planted in the ground, seems to have been the victim of a past flood, that one of New Orleans perhaps, or having accompanied the passage of the Katrina hurricane… Small moments of history, ephemeral black or gray reveries; all of them write a mythology of disjunction, of disorder that insinuate in things – the irreparable loss of Paradise.

Sometimes, it seems that the sweetness comes back, as in this box crossed by a river, in line with a quiet landscape. Is the artist, as we most of the time, lacking Eden? Does art save us from disaster? Can the world, according to Curtis Santiago, be anything else than sour? Let’s look, let’s think.

Paul Ardenne

Curtis Santiago, San Papier II (Deluge VII)


In a very different way, drawings by Jérémy Chabaud, Alexandre d’Huy & Shaun Gladwell are linked by their exploration of vanitas. Far from the classical representation of vanitas, these three artists interpret their own vision of ‘Vanity of vanities, all is vanity’ – transience of life, time going by, the futility of pleasure, and the certainty of death.

The young Parisian painter Alexandre d’Huy depicts the immediate consequences of contemporary war—impersonal and digital. Certain drawings are almost pixelated, aerial views from the eye of technology (from videos uploaded every day on the internet), a perspective impossible for man to experience—blending rural landscapes into a form of camouflage. The drawings of the artist reach to the core of the issue of war, cold but possessing a rich texture in an abstract language. Alexandre d’Huy shows ghostly landscapes that highlight reality and surpass it boundlessly. It results in the aestheticization of these destructive masses—masses that seem autonomous as no human figure is detected. ENTER THE VOID. By this absence, the human condition is however even more omnipresent. D’Huy’s vanitas link worthlessness and the certainty of death…

Gladwell’s work exhibited at ART ON PAPER is about more than the strange landscape-like beauty of the human skull. It is no coincidence that Gladwell has titled them Vanitas, a clear reference to the 17th-century Dutch still-life paintings that featured objects that symbolised death. The vanitas spoke of the transience and vanity of human endeavour and earthly pleasures. After all that furious spinning and striving, we arrive at the still point of death.

On the other side of death : life – and the futility of pleasure. In Chabaud’s hands, the phalluses are all joy, pleasure, bliss. The artist claims: “I know them all” and there are about 300 “portraits”, whether ink or aquarelle, of which Analix Forever presented a best of at ART ON PAPER. The presence of the butterflies stems from a nap Chabaud took naked in the nature then being wake up by one of them. But is the artist’s series really on the other side of death though ? Some butterflies can live almost a year but many of them only live for one day. Living their life without knowing when it will end. Like us, humans. Vanitas.

Advertisements

Leave a comment

Filed under Dessins etc

PARÉIDOLIE 2 : Le dessin fait la vidéo

Programmation vidéo de Paréidolie : carte blanche à Barbara Polla

Pour cette programmation vidéo pour Paréidolie, en lien avec le dessin, « CALLIGRAPHIE » propose les vidéos de 15 vidéastes contemporains d’horizons et de techniques aussi singuliers que diversifiés, mettant en évidence l’extraordinaire richesse de la vidéo d’animation.

La flèche « Calligraphy », still de la vidéo d’Ali Kazma, invite à venir voir une longue programmation qui mélange humour et noirceur, tragédie et légèreté, poésie et politique, architecture et peinture…

Avec (par ordre d’apparition) : Pawel Prewencki, Pologne ; mounir fatmi, Maroc ; Eszter Szabo, Hongrie ; Eva Magyarosi, Hongrie ; Nicolas Daubanes, France ; Bridget Walker, Australie ; Kakyoung Lee, Corée du Sud ; James Rielly, GB ; Matt Saunders, USA ; Andreas Angelidakis, Greece ; JiSun Lee, Corée du Sud ; Ali Kazma, Turquie ; RAYMUNDO, France ; Laure Tixier, France ; Julien Serve, France ; et, pendant la dernière heure de la journée, EDEN, une série de dix vidéos d’Eva Magyarosi.

Pour en savoir plus, cliquer ici

Leave a comment

Filed under Paréidolie

PARÉIDOLIE 1 : Julien Serve le Marseillais, du Château à la Cabane

L’artiste français Julien Serve, qui vit et travaille à Paris, a été présent à Marseille toutes ces dernières années au Salon Paréidolie, au Château de Servières, et/ou à « La Cabane Georgina » de Jérémy Chabaud, au bord de cette mer Méditerranée qui berce la cité phocéenne de mille rêves.

Il revient cette année, fin août, dans les deux mêmes lieux, par deux fois en prenant leurs noms au pied de la lettre.

Une « paréidolie », du grec ancien para (à côté de) et eidolon (de eidos, apparence, forme) – est une sorte d’illusion d’optique qui associe un stimulus visuel informe et ambigu à un élément clair et identifiable, souvent une forme humaine ou animale. La forme animale, pour Julien Serve, ce sera le Rhinocéros,  à la fois informe et ambigu et très clairement identifiable – mais pas n’importe quel Rhinocéros : celui gravé par Albrecht Dürer en 1515 ! L’histoire raconte en effet que le rhinocéros doré gravé par Dürer représente l’animal cadeau d’un Sultan de Cambay à Manuel 1er, Roi du Portugal, puis cadeau de celui-ci au Pape Léon X. Il fut le premier rhinocéros attesté sur le continent européen depuis 12 siècles. L’histoire dit aussi que Dürer n’aurait jamais vu l’animal. Mais qu’importe. Après une escale sur l’île mythique d’If (durant laquelle François 1er, Roi de France, vint le voir), le rhinocéros périt noyé : le navire le transportant sombre en pleine tempête en mer Méditerranée.

L’œuvre de Julien Serve est basée sur cette histoire, avec comme fond les vagues, leur chant, celui des mouettes, le bord de mer et le sable marseillais sur lequel le Rhinocéros viendra échoir. Et elle se concrétise en trois volets : deux grands dessins muraux, respectivememnt à l’entrée du Château de Servières (le Rhinocéros) et dans la salle d’accueil (le bord de mer) ; ainsi qu’une vidéo, présentée dans la programmation vidéo de Paréidoloie, confiée cette année à Barbara Polla, intitulée CALLIGRAPHIE et qui a pour thème l’animation. Animer ? Donner âme. C’est ce que fait Julien Serve avec sa vidéo : redonner âme à l’histoire ancienne, en pas moins de 1200 dessins.

Si le Rhinocéros, fantasmé, « exotisé », ne restera à Servières que le temps du Salon, le bord de mer restera plus longuement, et continuera à évoquer, selon l’artiste lui-même, rêveur : « La vague de Gustave Courbet, le bruit du roulis, un trésor caché sous les flots, la mémoire de l’Atlantide, du Bretagne, du Titanic, d’espoirs et de corps perdus… » Les vagues viennent révéler sur les rivages nos oublis. La mer a englouti nos fantasmes. Elle les rejette. Un corps massif échoue battu par les vagues. Une forme apparait. » Entre les mains de Julien Serve, la mer restitue la mémoire, prolonge l’illusion. « Mémoire vive, contre l’oubli », ajoute encore l’artiste-poète.

Pour La Cabane Georgina, Julien Serve propose deux projets qui mettent en résonance la notion de foyer : il se réapproprie d’une part l’univers du jeu de société Cluedo et nous invite à déambuler dans une série de photo-montages – dans un foyer où se dévoile une histoire de famille… alors que dans Open House c’est le dessin de l’architecte qui fait le foyer et qui module les interactions familiales et extra-familiales qui se jouent entre les habitants semblent nous dire les dessins de Julien Serve.

SALON PAREIDOLIE Château de Servières 19 Boulevard Boisson, 13004 Marseille, 26 et 27 aout 2017

LA CABANE GEORGINA 2 chemin du Mauvais Pas  13008 Marseille – Vernissage le 26 août, exposition jusqu’au 3 septembre

Leave a comment

Filed under Paréidolie

FULL MOON

Group show avec Clara Citron, Sara Conti, mounir fatmi, Shaun Gladwell, Alexandre d’Huy, Abdul Rahman Katanani, Rachel Labastie, Eva Magyarosi, Pavlos Nikolakopoulos, Emanuela Olini, Laurent Perbos, Julien Serve & Ornela Vorpsi
Jusqu’au 16 juin

2 rue de Hesse, 1204, Genève

Symboliquement la Pleine Lune concentre les énergies de toutes les phases de la lune dans son cercle parfait, lumineux. C’est le symbole de la plénitude, la totalité, en orbite circumterrestre. La lune a été toujours source d’inspiration pour poèmes et madrigaux, elle a donné naissance à de multiples proverbes et coutumes, sa masse influence les marées des océans et le système tectonique de la surface de la Terre, elle inclut le monde agricole dans ses opérations les plus essentielles, du semis aux soins de récoltes. La Pleine Lune, magique et mythique, serait aussi liée aux cycles féminins et à leur acmé lumineuse…

La lune inspire les artistes et pour Sara Conti, montrée pour la première fois à Genève, elle est l’expression d’un féminin puissant, représenté sous forme d’arbre qui rencontre son contraire et qui donne la vie. Sara Conti ne sépare pas l’humain du végétal, on croirait même, à regarder cet éloge de la fusion naturelle des corps, des espèces et des essences, que les corps des morts humains pourraient reproduire la vie sous l’œil ténébreux de la lune. Le sexe de l’arbre et les dessins de Sara Conti ? Délicieux, drôles, érectiles, fertiles, bisexuels, indéterminés, hermaphrodites, érotiques, magnifiques. Ornela Vorpsi, plasticienne et écrivain albanaise connue et reconnue, qui sera présente à la galerie le 18 mai (de même que la jeune romaine Emanuela Olini) travaille avec son ambiguïté naturelle sur la vie nocturne et onirique des chats, représente avec ironie la lune comme un œuf et fait dire au chat noir:
« La nature c’est un œuf, moi je le sais,
Je l’ai vue de près, puis je l’ai mangé.
C’est à jamais ainsi et ce depuis toujours
Que nous les chats créons la nuit et le jour »…

Aux côtés de ces trois artistes, FULL MOON présente aussi Eva Magyarosi et Laurent Perbos, l’imagination et la structure, que vous retrouverez ensemble dans l’exposition prochaine, vernissage au solstice d’été, EDEN, EVA & ADAM – ainsi que mounir fatmi et ses dessins fondateurs Fragile CommunicationAlexandre d’HuyPavlos NikolakopoulosJulien ServeShaun Gladwell et ses Phaéton (Φαέθων / Phaéthôn, « le brillant », fils d’Hélios, mort foudroyé pour avoir perdu le contrôle du char solaire de son père… et avoir ainsi manqué d’embraser le monde ; Rachel Labastie la sculptrice qui dessine des murs de liberté et le dessin mural d’Abdul Rahman Katanani.

Leave a comment

Filed under Uncategorized

The Island of Roots

L’interculturalité et ses richesses, son potentiel de réparation, sont l’un des fils rouges essentiels du travail de mounir fatmi, un fil rouge qui inclut la migration, l’exil, l’identité, le corps. Mais c’est aussi la volonté constante de nous surprendre, de nous faire reconsidérer nos points de vue, de nous donner à penser à l’envers.

La série The Island of Roots s’inscrit parfaitement dans cette double logique. À un moment de l’histoire où les États-Unis d’Amérique se ferment, refusent certains migrants, en chassent d’autres, mounir fatmi nous rappelle qu’au début du siècle dernier, et pendant longtemps, ces mêmes États-Unis furent une formidable terre d’accueil. Ellis Island fut ce passage obligé, cette porte d’entrée mythique où se scellaient tant d’espoirs de vie nouvelle. mounir fatmi alors se saisit de cette histoire et, selon une habitude qui lui est chère et qui constamment enrichit son travail et la portée de celui-ci, se réfère à un autre artiste qu’Ellis Island a inspiré, à savoir le mythique photographe documentaire Lewis Hine, qui photographia, sur place, au début du 20ème siècle, tant d’immigrants différents, de la famille italienne au juif arménien, du jeune homme finlandais à la migrante syrienne – déjà – et tant d’autres. Partant de ces portraits, mounir fatmi leur dessine des racines. Ces racines qu’on arrache, et qui reviennent, complexifiées ; des racines végétales, dendritiques, sanguines parfois, transperçantes ; des racines qui vont d’un dessin à l’autre, qui s’embrassent et s’enlacent, comme Philémon et Baucis. Des racines d’échange et de partage. Des racines d’inclusion. De ces racines que l’on fait en marchant.

mounir fatmi, pour exprimer les multiples facettes de ses concepts et de ses visions, utilise volontiers le collage, notamment dans ses vidéos et ses photographies, et les superpositions. Dans la série The Island of Roots également, le collage lui permet de parler du passé comme du présent, des racines comme des branches, de la photographie et du dessin, des visages et du monde. Car comme l’écrit Jean-Marc Lachaud : « Les œuvres de collage et de montage mêlent la réalité concrète et le merveilleux, l’ici et l’ailleurs, le non-contemporain et l’actuel, l’identifiable et le bizarre. Elles tracent et détracent les contours de territoires inédits à fouiller. Elles bâtissent des passages éphémères au sein desquels des figures de l’inconnu restent à décrypter. Elles dépaysent, perturbent, déstabilisent et provoquent. » Émeuvent aussi – et c’est là encore l’une des beautés rémanente du travail de fatmi : l’émotion qu’il génère. Une (é)motion au sens propre du terme : mise en mouvement de celui qui regarde, forte, profonde, inéluctable et productive de sens.

Et l’artiste, selon ses propres termes, « Confronté à cette machine de l’histoire qui se répète inlassablement » voit « les racines et leur liberté de pousser d’une manière aléatoire, sauvage et libre. »

Barbara Polla, mars 2017

Leave a comment

Filed under Drawing Now

Drawing Now 2017 : Le Piège Esthétique

Pour Drawing Now 2017, Analix Forever est au Carreau du Temple jusqu’au Dimanche 28 Mars, et présente Le piège esthétique avec des dessins de mounir fatmi (focus), Maro MICHALAKAKOS & Alexandre D’HUY.

 

LE PIÈGE ESTHETIQUE

Les dessins de mounir fatmi, s’ils restent encore relativement confidentiels, sont fondateurs. Car si l’artiste est connu et largement reconnu pour ses grandes installations, ses sculptures, ses vidéos et ses photographies, il dessine depuis toujours (certains dessins datent de 1995 !). Et non seulement il dessine depuis toujours, mais ses dessins nous parlent tous des thèmes fondamentaux de l’artiste : les ciseaux, la coupure, celle du cordon ombilical, de la langue et du langage ; l’amputation, la rupture culturelle, la nécessité de refaire lien pour survivre ; la greffe enfin, physique, corporelle, culturelle (La Jambe noire de l’Ange) ; les racines. Le dessin, intime et fragile (plusieurs séries de dessins de fatmi comportent d’ailleurs le mot Fragile dans leur titre) : comme un fil rouge de la création. Le fil rouge ? Au propre et au figuré : la couleur rouge se retrouve dans les dessins les plus anciens. Puis le fil devient racine…

Les dessins de la série The Island of Roots, présentés à DRAWING NOW pour la première fois, dialoguent avec la sculpture éponyme et tentent de répondre à cette question philosophique transversale posée par l’artiste : jusqu’à quelle profondeur les racines s’enfoncent-elles ? Dans un moment de notre histoire où les notions d’identité et de frontières deviennent de plus en plus centrales, comment comprendre, partager, passer outre les enfermements culturels pour créer une transculturalité mature et créative ?

Le piège esthétique, lui, est partout dans les œuvres de mounir fatmi. L’esthétique est une nécessité pour l’artiste, elle répond à une volonté irréductible de donner une forme visible à ses questionnements existentiels et ses révoltes intérieures – et grâce à elle l’artiste capte notre attention, prise au piège. Mais l’esthétique qui nous prend dans le même temps dévoile le piège et nous permet d’y échapper : reste alors le sens de la beauté.

« En troublant la vue, les dessins de fatmi renvoient le spectateur à questionner sa propre histoire, ses peurs et ses désirs. » (adapté de Blaire Dessent, 2016).

Les dessins et aquarelles de Maro Michalakakos sont d’une grande délicatesse, d’une séduisante sophistication, d’un attrait irrésistible. Pris au piège de la beauté des oiseaux dépeints par l’artiste grecque, et du désir d’envol qu’ils transmettent, le spectateur s’approche et réalise alors seulement que derrière la beauté, ou devant elle, se cachent et se révèlent des enjeux bien plus inquiétants. Les oiseaux de Michalakakos sont « pris » dans leur propre cou, qui s’enroule autour de leurs pattes et, mutants et hybrides, mi serpents mi insectes, ils semblent sortir d’un livre d’ornithologie futuriste – ou quand les oiseaux ne sauront plus voler. Allégorie de nos propres enfermements, de nos propres empêchements à nous envoler de nos cages, les oiseaux de Michalakakos furent l’emblème, début 2016, de l’exposition de Çelenk Bafra & Paolo Colombo à Istanbul Modern, intitulée « Till it’s gone ». Till it’s gone, vous êtes invités à pénétrer le monde de Michalakakos, un monde d’une Violente beauté (du titre de l’un des catalogues de l’artiste), peuplé de rêves souvent cruels, de fées dont on peut craindre qu’elles soient maléfiques, d’objets qui mettent en scène des énigmes sexuelles et politiques, et, selon Paolo Colombo, un monde en forme d’« archive mythologique d’animaux, souvent des oiseaux, qui semblent s’accoupler entre espèces et deviennent ainsi les chimères de notre temps. »

Les très fascinants dessins d’Alexandre d’Huy déclinent un univers guerrier réduit à sa plus simple expression ou presque. Plus on s’approche, plus l’illusion grandit. A distance, l’œil nous informe que ce sont des avions de chasse, des cibles, des hélicoptères de l’armée. L’artiste part de l’universalité (la guerre) pour rejoindre la singularité (l’obsession de la série). On trouve chez d’Huy quelques vues dessinées de la guerre moderne, par exemple ces captures d’écran montrant des bombardements guidés au laser, position GPS. À l’ère des drones, ces figures se signalent par un excès de proximité : une question de rapport de forces où le matériel compte plus que l’humain, une affaire de maîtrise technologique. On ne parle plus de vies humaines mais de cibles. La guerre ressemble à un jeu vidéo. Alexandre d’Huy « vedutiste » ( … ) nous séduit par sa composition d’images, par son organicité et au même temps nous fait sentir mal à l’aise vis-à-vis du sentiment de plaisir que ses dessins d’explosions guerriers déclenchent en nous.

mounir fatmi, Maro Michalakakos et Alexandre D’Huy trouvent dans l’esthétique une réponse  à l’absurde du monde, après Albert Camus selon qui « L’absurde naît de la confrontation entre l’appel humain et le silence déraisonnable du monde » (Mythe de Sisyphe )  et « le monde absurde ne reçoit qu’une justification esthétique. » (Albert Camus, Carnets II).

Leave a comment

Filed under Drawing Now

Conversations en chemin avec Pavlos Nikolakopoulos

Paréidolie, un nom étrangement complexe, certes, mais il est  l’appel d’un événement magnifique au château de Servières, à Marseille.. Pareidolie, un mot empli de voyelles et difficile me direz vous à retenir et surtout à expliquer.. Pour apaiser nos  inquiétudes, je citerai que L’identification de visages dans les nuages est un exemple classique de paréidolie.

Paréidolie est donc le nom ô combien savant du Salon du Dessin Contemporain de Marseille. Le mois d’ Août s’échappe doucement.. la chaleur demeure toujours cette sorte de pâte épaisse qui alourdit l’air.. les éventails, mi masques de festival, mi accessoires improvisant un semblant de courant d’air, ondulent devant les visages. L’humeur est joyeuse ce matin là, une joie particulière qui se dandine au creux des espaces des galeries sélectionnées pour l’évènement.

Je sais que je vais découvrir de nouvelles oeuvres. Je suis surtout attentive à arpenter calmement les lieux.. retenir mon souffle aussi pour mieux accueillir les émotions qui, inévitablement,se faufileront ici et là.. je retrouve ” mes ” galeries, celles qui dévoilent toujours des oeuvres sur papier qui, très vite, établiront une réelle complicité avec moi..
Je retrouve aussi les habitués, les visiteurs toujours fidèles à cet événement de la fin de été. Les visages sont légèrement tapissés d’un voile ”  bonne mine ”  subtil et flatteur dérobé à l’éclat des mois écoulés..

Je m’approche de la Galerie Analix Forever. (…)

20160828_194938
Je savais déjà que la sélection de ses artistes se glisserait directement dans les tiroirs de mes préférences, ma ” préférence ” étant ce je ne sais quoi qui, sans préavis aucun, active une sorte de fil électrique invisible entre l’œuvre et moi.. foudroyée !
Une zébrure émotionnelle m’installe  devant une œuvre, m’immobilise.  J’enfouis mon regard au plus profond des strates du dessin, de l’épaisseur du trait, de l’harmonie des mines de couleur.. puiser dans l’invisible de mon être ce que le trait a glissé..  peut être une révélation ? je ne sais.. mais un dialogue, prolongement de ma pensée – ou plutôt de mon désir – s’impose et je ne peux, en aucune façon, abandonner ce dessin si particulièrement relié aux cimaises par ses pinces noires.

capture-decran-2017-01-31-a-16-45-45

Ce dessin, disons alors ” mon dessin “, me parle d’équilibre, cette droite oblique – rouge et noire –  qui est depuis longtemps ma position sur cette planète.. mon échelle d’intention.. gravir et, quelquefois aussi, glisser un peu, reculer mais toujours lutter pour avancer.. L’œuvre est sans surcharge, débarrassée des encombrants.. Elle est magistrale dans son élégante dignité de dépouillement. Elle est l’oeuvre de Pavlos Nikolakopoulos, de la  Grèce. Le blanc.
Dans un coin, noires et discrètes, quelques marches.. gravir encore, même à l’écart.

Retrouvez l’article, ici.

Leave a comment

Filed under Paréidolie